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R. Strauss: Don Quijote, op. 35.



R. Strauss: Don Quijote, op. 35.

Las Referencias de este mes están dedicadas a analizar las mejores versiones que del Don Quijote de Richard Strauss nos ha dejado la fonografía.

La obra data de 1897 y quizá sea el más interesante y a la vez el peor asimilado de todos los poemas sinfónicos de su autor, sin duda porque una ejecución perfecta es extremadamente difícil (su espíritu y fantasía musical soportan mal una interpretación mediocre). Estas variaciones son la mejor forma que un compositor haya podido elegir para pintar el carácter de Don Quijote. El fondo siempre es el mismo, sólo cambian los episodios. De esta forma, Strauss crea alrededor de dos temas inmutables (el caballero y el escudero), las variaciones más coloreadas en el marco de un prólogo y un epílogo que recuerdan a Till Eulenspiegel. El prólogo desarrolla el tema de Don Quijote: sueños excéntricos y visiones guerreras llegan hasta el enloquecimiento en la mente calenturienta de este caballero de la triste figura. Sigue el andamiaje de los temas: Don Quijote y Sancho, con diez variaciones que describen los acontecimientos ya conocidos (aventura con los molinos de viento, combate con los carneros, aventura con una procesión de penitentes, vigilia de armas con tiernos pensamientos para la lejana Dulcinea, y el consabido etcétera). En el epílogo todo se apacigua y aclara en el espíritu de Don Quijote, dejándose llevar por una meditación melancólica sobre la ilusión seductora de sus aventuras soñadas. Con la muerte del caballero, simbolizada por el tema transfigurado de Don Quijote, termina esta obra singular, una de las obras orquestales más originales de su autor.

La partitura tiene innumerables dificultades técnicas. Estas variaciones requieren una orquesta enorme y un nivel de precisión absolutamente infalible para todos los participantes. Su escritura rítmica es de gran complejidad, y las armonías cruzadas y las subdivisiones dinámicas piden una absoluta y perfecta cohesión. También tiene que haber una total y absoluta compenetración entre el solista y el director, quien, por cierto, no debe dejarse fascinar solamente por la complejidad sonora: no olvidemos que aquí se habla también de ironía, de humor, de locura, de la pequeñez de nuestra condición… En fin, una obra compleja donde las haya que no obstante tiene una abundante discografía, como pueden ver en las referencias que siguen. No nos hemos dejado en el tintero ninguna versión importante, a no ser las de Beecham-Tortelier (EMI, 1947), Munch-Piatigorski (RCA, 1953), Knappertsbusch-Kiskalt (Golden Melodram, 1958) o Boult-Du Pré (EMI, 1968), esta última interesante sobre todo por la siempre magistral y expresiva recreación de la inolvidable chelista, ya que el bueno de sir Adrian, habitualmente elegante y comedido, parece transitar más por Elgar que por Strauss (esta versión ha sido calificada con la más alta distinción por la crítica británica, quien también informa de que existe una toma de la Du Pré con Klemperer que permanece inédita). Otras versiones de interés (Bernstein, Maazel, Ozawa, Järvi, Masur), tendrán que esperar mejor oportunidad.

Strauss I. Mainardi, Staatskapelle Berlin (DG, 1933, 38’). Strauss II. Uhl. Orquesta Estatal de Baviera (DG, 1941, 39’). Dos versiones del propio autor publicadas recientemente en un álbum del sello amarillo dedicado al Strauss director y que comentamos no hace mucho desde estas mismas páginas. No hay diferencias apreciables entre ambas, a no ser la mejor toma sonora de la de 1941. Por lo demás, todo está en su sitio y todo respira naturalidad y convicción, con fraseo elegante, perfecta planificación del discurso y agudo sentido de la narración, no hay ningún secreto para la experimentada batuta del compositor-director. Los solistas... (...)

Enrique Pérez Adrián
(Comienzo del artículo publicado en el nº 301 de Scherzo, sección 'Referencias' en Discos, noviembre de 2014)

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